Skip to content

Architecture and cinema_An inseparable couple

Imagen 1


The “Chinese Shadows” that are projected on the island of Java for five thousand years. Photo by Fernando de la Cruz

 

The idea of using large images as show goes back to antiquity. Bison from the Caves of Altamira or the “Chinese shadows” that are projected on the island of Java  for five thousand years born of the need of man to create a “magical place” in which the succession of moving images take us to an unreal place. That desire to capture the seasonality in space and technical advances of the nineteenth century made possible the birth of a new means of artistic expression: cinema.

La idea de utilizar las imágenes de gran tamaño como espectáculo se remonta a la antigüedad.  Los bisontes de las Cuevas de Altamira o las “sombras chinescas” que desde hace cinco mil años se proyectan en la isla de Java nacen de la necesidad que tiene el  hombre de crear un “espacio mágico” en el que las sucesiones de imágenes en movimiento nos transporten a un lugar irreal. Ese deseo por plasmar la temporalidad en el espacio y los avances técnicos del siglo XIX hicieron posible el nacimiento de un nuevo medio de expresión artístico: el cine.

Cinema tries to bring fantasies, poetic yearnings and subtle director’s formal creations to the screen. Reconciles time and space as it could only do so before the theater or dance, but they use radically different expressive codes. And it is in the creation of “magical places” where we find the architecture. While according to some filmmakers, architecture is present in the film as simple scenery in which to place the action, for others architecture in the movie is a character without which one cannot understand the script, the story. Sometimes, they are real places exploited by directors endlessly, other times they are inspired by an architectural icon to move to a place of fantasy where everything is possible.

El cine logra trasponer a la pantalla las fantasías, los anhelos poéticos y las creaciones formales más sutiles del director. Concilia tiempo y espacio como sólo podía hacerlo antes el teatro o la danza, pero con unos códigos expresivos radicalmente distintos. Y es en esa creación de “espacios mágicos” donde nos encontramos con la arquitectura.  Mientras que para algunos cineastas, la arquitectura está presente en el cine como una simple escenografía en la que situar la acción, para otros la arquitectura en el cine es un personaje más, sin el que no es posible entender el  guión, la historia. A veces son lugares reales explotados por los directores hasta la saciedad, otras veces se inspiran en un hecho arquitectónico para trasladarnos a un lugar de fantasía donde todo es posible.

Here we will propose some film titles in which, in my opinion, the architecture manages to reach this important role. These wonderful buildings have achieved over time become a cultural symbol, the icon of an era.

A continuación vamos a recorrer algunos títulos cinematográficos en los que, en mi opinión, la arquitectura logra alcanzar ese papel protagonista. Esos maravillosos edificios han conseguido convertirse con el tiempo en un símbolo cultural, en el icono de una época.

 

The cities of the future

Las ciudades del futuro

 

Throughout film history, there have been many filmmakers who would have imagined how future cities. From science fiction, avant-garde movements of the early twentieth century made the film a critical means against the postwar society of the time.

A lo largo de la historia del cine, han sido muchos los realizadores que han imaginado cómo serían las ciudades del futuro. Desde la ciencia ficción, las corrientes vanguardistas de comienzos del siglo XX hicieron de la cinematografía un medio crítico contra la sociedad posbélica del momento.

Metropolis (1921) is the result of German Expressionism, a masterpiece of science fiction films of all times. Born in Vienna in 1890, its director Fritz Lang began his architectural studies to stop indulging in cinema. Son of the architect Anton Lang, his training allows him to imagine the dichotomy between the robotic megalopolis inhabited by an elite and workers underworld that sustains Metropolis from the caves. The futuristic architectural design of the city was born in the head of Lang when he visited New York in 1924 and watched in fascination their beautiful skyscrapers.

Fruto del expresionismo alemán nace Metrópolis (1921), una obra maestra del cine de ciencia ficción de todos los tiempos. Nacido en Viena en 1890, su director Fritz Lang comenzó sus estudios de arquitectura para acabar entregándose al séptimo arte. Hijo del también arquitecto Anton Lang, su formación le permitió imaginar la dicotomía entre la megalópolis robotizada habitada por una élite y el submundo obrero que sostiene la Metrópolis desde las cavernas. El diseño arquitectónico futurista de la ciudad nació en la cabeza de Lang cuando en 1924 visitó Nueva York y contempló con fascinación sus bellos rascacielos.

Imagen 2


Metropolis movie image by Frizt Lang

Metropolis reflects the challenge that the German society of the Twenties in this futuristic city. On the one hand, the consequences of capitalist development and scientific and technological progress, and on the other, the moral and political decay. Progress condemned the mass of workers to total alignment, revolution and anarchy. Lang commitment as the Art Deco architectural style that marks this futuristic megalopolis and that better reflects the thinking of an era.

Metrópolis refleja en esa ciudad futurista el desafío al que se enfrentaba la sociedad alemana de los años veinte. Por un lado, las consecuencias del desarrollo de capitalismo y del progreso científico y tecnológico, y por otro, la decadencia moral y política. El progreso condenaba a la masa de trabajadores a la alienación total, a la revolución y a la anarquía.  Lang apuesta por el Art Deco como el estilo arquitectónico que marca a esa megalópolis futurista y que mejor refleja el pensamiento de una época.

In the same line of dystopian fiction, Ridley Scott takes us in Blade Runner (1981) to the US city of Los Angeles in 2019. Son of postmodernism, Scott plasma an eclectic and cosmopolitan city, imposing ruins and abandoned buildings where the architectural elements of the past (Greek columns, Mayan pyramids, Chinese temples, futuristic neon ads) wrapped by a recurrent acid rain, achieve a close symbolic meaning to the lost paradise. Between all this amalgam of architectural elements, we must mention the great success of Ridley Scott to incorporate two actual buildings for environments that dark sense of oppression and decline that exudes all the film: the Ennis House, by Frank Lloyd Wright, and the Bradbury Building by Georges H.Wyman.

En esa misma línea de ficción distópica, Ridley Scott nos traslada en Blade Runner (1981) a la ciudad norteamericana de Los Ángeles en el año 2019. Hijo de la posmodernidad, Scott plasma una ciudad ecléctica y cosmopolita, de imponentes edificios abandonados y en ruinas, donde los elementos arquitectónicos de tiempos pasados (columnas griegas, pirámides mayas, templos chinos, anuncios de neón futuristas) envueltos por una lluvia ácida recurrente, alcanzan un significado simbólico cercano al paraíso perdido. Entre toda esa amalgama de elementos arquitectónicos, hay que destacar el gran acierto de Ridley Scott al incorporar dos edificios reales para ambientar esa oscura sensación de opresión y decadencia que destila todo el film: la Casa Ennis, de Frank Lloyd Wright, y los Almacenes Bradbury, de Georges H.Wyman.

Imagen 3

The Ennis House by Frank Lloyd Wright

Built in 1924, commissioned by Mabel and Charles Ennis, the Ennis House is one of the main projects of Wright’s experimental period. In the film it appears as Rick Deckard’s apartment, the character played by Harrison Ford, a home that reflects the love of Maya architecture and timeless spirit that gives the film. Situated on a hill in the neighborhood of Los Feliz in Hollywood, it is the fourth and largest building designed following the philosophy of “textile blocks” like the AD German Warehouse in Wisconsin and Aline Barnsdall Hollyhock House in Hollywood.

Construida en 1924, por encargo de Mabel y Charles Ennis, la Casa Ennis es uno de los principales proyectos del periodo más experimental de Wright. En la película aparece como el apartamento de Rick Deckard, el personaje interpretado por Harrison Ford, una vivienda que refleja el gusto por la arquitectura Maya y que dota de ese espíritu atemporal a la película. Situada sobre una colina del barrio de Los Feliz en Hollywood, es el cuarto y más grande edificio diseñado siguiendo la filosofía de “bloques textiles”, al igual que la A.D. German Warehouse de Wisconsin y la Aline Barnsdall Hollyhock House en Hollywood.

Imagen 4

The Ennis House appears as Rick Deckard´s apartment, the character played by Harrison Ford, in Blade Runner

It is built with precast concrete blocks, inspired by the symmetrical reliefs of Mayan buildings of Uxmal, which gives a special ornamentation. To improve strength, Wright placed a steel frame or “constructive grid” on the sides of the blocks. He also replaced the wooden molds for other made of metal, getting more regular pieces. The outer joints disappeared after a semicircular slot that is filled with mortar to hold the assembly.

Está construida con bloques de hormigón prefabricado, inspirados en los relieves simétricos de los edificios mayas de Uxmal, lo que le da una especial ornamentación. Para mejorar la resistencia, Wright colocó una trama de acero o “retícula constructiva” en los laterales de los bloques. También sustituyó los moldes de madera por otros metálicos, consiguiendo así piezas más regulares. Las juntas exteriores desaparecían tras una ranura semicircular que se rellenaba con mortero para sujetar el armado. 

Imagen 5

The Ennis House´s designs by Frank Lloyd Wright

For its exotic design, the Ennis House has been chosen by many directors to record their movies as Female (1933), The Violent Years (1956), House on Haunted Hill (1959), Day of the Locust (1975); the popular television series Twin Peaks and David Lynch film’s Mulholland Drive, and even its design was used for the animated series South Park, although the Ennis House go down in history with the filming of Blade Runner.

Por su exótico diseño, la Casa Ennis ha sido elegida por numerosos directores para grabar sus películas, como Female (1933), The Violent Years (1956), House on Haunted Hill (1959), Day of the Locust (1975); la popular serie de televisión Twin Peaks de David Lynch y su reconocida película Mulholland Drive, e incluso su diseño fue maquetado para la serie de dibujos animados South Park, aunque pasaría a la historia con la filmación de Blade Runner

And that’s not all because Scott film contains another important architectural icon. This is the place where he was shot one of the unforgettable scenes of Blade Runner, where the replicant leader visits his creator JF Sebastian home, located on the top floor of a bleak and abandoned Victorian building. Is the Bradbury Building, by H. Wyman Georges, one of the historic emblems of downtown Los Angeles.

Y esto no es todo porque la película de Scott contiene otro importante icono arquitectónico. Se trata del lugar donde fue rodada una de las escenas inolvidables de Blade Runner , cuando el líder replicante va a visitar a su creador J.F. Sebastian a su casa, situada en la última planta de un edificio victoriano sombrío y abandonado. Es el Edificio Bradbury, de Georges H.Wyman, uno de los emblemas históricos del centro de los Ángeles.

Imagen 6

The unforgettable scenes of Blade Runner, where the replicant leader visits his creator´s home, located on the Bradbury Building

Kenneth Frampton, in his book “Modern Architecture 1851-1945”, describes it as “a unique building not only for its spectacular staircase projected, but also for its glazed hydraulic lifts giving access to the different floors of offices. These structures serve to encourage movement through the section of the volume; integrated by the light filtering through the stair landings and oscillation lift cages visual effect. By way of contrast, the exterior of the building is traditional, it is built with a mixture of sandstone and brick lining”.

Kenneth Framptom, en su libro “Modern Architecture 1851-1945”, lo describe como “un edificio único no sólo por su espectacular escalera proyectada, sino también por sus ascensores hidráulicos acristalados que dan acceso a las diferentes plantas de oficinas. Estas estructuras sirven para animar el movimiento a través de la sección del volumen; un efecto visual integrado por el filtrado de la luz a través de los rellanos de las escaleras y la oscilación de las cabinas de ascensores. A modo de contraste, el exterior del edificio es tradicional, se construye con una mezcla de piedra arenisca y recubrimiento de ladrillo”.

Imagen 7

Image of the centeral couprtyard of the Bradbury Building, by H. Wyman Georges

This charismatic building has also been a recurring scenario for multiple Hollywood films throughout the twentieth century, among others, China Girl (1942) by Henry Hathaway, or The Wolf (1994), starring Jack Nicholson.

Este carismático edificio también ha sido un escenario recurrente para múltiples películas de Hollywood a lo largo del siglo XX, entre otras, China Girl  (1942) de Henry Hathaway, o  El Lobo (1994) protagonizada por Jack Nicholson.

Imagen 8

The Jaffe House (Skybreak House) by British architect Norman Foster. Photo: Foster and partners

And if for a moment we try to imagine how will be the homes of the future, it is likely to take as a model the Jaffe House (Skybreak House) by British architect Norman Foster. Not surprisingly, one of the most impressive scenes of the movie The Clockwork Orange was filmed by Stanley Kubrick in one of the first projects of the Team 4 (the first office of Norman Foster): The rape to Mrs. Alexander and the beating to his husband that left him paraplegic.

Y si por un momento tratamos de imaginarnos cómo serán las viviendas del futuro, es muy probable que tomemos como modelo la Jaffe House (Skybreak House) del arquitecto británico Norman Foster. No en vano, una de las imágenes más impactantes de la película La naranja mecánica, de Stanley Kubrick, fue grabada en uno de los primeros proyectos de su Team 4, la primera oficina de Foster. Alex y su pandilla de “droogs”, en una noche de violencia desenfrenada, irrumpen en la casa del escritor F. Alexander, al cual golpean casi hasta matarlo, mientras destruyen su biblioteca y violan a su esposa.

The house of 260m2 was built in 1966 at the county of Hertfordshire in the north of London, and is part of a series of homes in which Foster experimented with new functional organizations. The Jaffe House is conceived in its section based on three parameters: the maximum flexibility for different uses and social occasions, the introduction of natural light, and the possibility to extend the house into the landscape in the future. The house is divided in three stripes: the first one is the main public area of the house (the living room) and the other two are used for the kitchen, bathrooms and bedrooms. Its connection is built through sliding panels, expanding its spatial quality.

La casa de 260 m2 fue construida en 1966 en el condado de Hertfordshire al norte de Londres, y forma parte de una serie de viviendas en las que Foster experimentó con nuevas organizaciones funcionales. La Jaffe House fue concebida en distintas secciones, teniendo en cuenta tres parámetros en su diseño: la máxima flexibilidad en su uso, la introducción de luz natural y la posibilidad de poder ampliar su espacio en un futuro. Está dividida en tres niveles: el primero y más grande es ocupado por la sala de estar, mientras que los otros dos alojan la cocina, los baños y los dormitorios. La conexión entre dichos niveles se produce a través de paneles deslizantes, lo que aumenta la capacidad espacial de la vivienda.

The Jaffe House  is shown as a paradox at The Clockwork Orange. The first time appears on the movie, it represents the success of the marriage living there: the writer and his beautiful wife have a perfect life and the house, based on its amazing interiors, can be considered as a representation of this quality of life and their good taste.

Imagen 9

Movie scene of the Clockwork Orange inside the Skybreak House

However, when the Mr. Alexander appears again on the movie, the Skybreak House is a discomfort for the old writer. The paraplegic Mr. Alexander cannot live in the house by itself due to the different platforms at different heights and his bodyguard, Julian has to carry him through the house.

Lo paradójico de la película es que la percepción que tenemos de la Jaffe House (Skybreak House) se transforma a lo largo de la misma. En su primera aparición, la casa representa el éxito del matrimonio que la habita: el escritor y su preciosa esposa tienen una vida perfecta y su moderna vivienda  puede ser considerada como una representación de la alta calidad de vida del matrimonio, así como de su buen gusto. Sin embargo, cuando el señor Alexander es agredido, la casa se convierte en una gran barrera arquitectónica para el viejo escritor. El parapléjico señor Alexander no puede moverse libremente por la casa a causa las escaleras y de sus distintas plataformas de la casa.

Another example in which the architectural reality exceeds fiction we have in the film The Man Next Door (2009). Directed by Gaston Duprat and Mariano Cohn, recounts the conflict between a designer named Leonardo (Rafael Spregelburd), and his neighbor Victor (Daniel Araoz), from remodeling  that the latter wants to do at home and that affects both. The curious fact is that Leonardo and his family live in the Curutchet House, the only work of the Swiss architect Le Corbusier made in Latin America.

Otro ejemplo en el que la realidad arquitectónica supera la ficción lo tenemos en la película El hombre de al lado (2009). Dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn, narra el conflicto entre un diseñador llamado Leonardo (Rafael Spregelburd), y su vecino Víctor (Daniel Aráoz), a partir de una remodelación que el segundo quiere hacer en su casa y que afecta a ambos. El dato curioso es que Leonardo y su familia viven en la Casa Curutchet, la única obra del arquitecto suizo Le Corbusier hecha en Latinoamérica.

Imagen 10

The Crutches House, the only work of the swiss architect Le Corbusier made in Latin America

Imagen 11

Model of the Crutches House by Le Corbusier

Located in the Boulevard 53 No. 320, in the City of La Plata, the house shows the five key points of the new architecture of the Swiss maestro: the high open floor, the floor to allow movement of the car; the garden terrace so that the house will return to the city the land it occupies, the “pilotis”, on which the house rests; the longitudinal window that occupies the entire width of the wall and the free facade structural elements. The iconic white color present in the entire house is also a mark of the author. The house now is a cultural center that depends on District 1 of the College of Architects of the Province of Buenos Aires.

Ubicada en el Boulevard 53 Nº 320, en la Ciudad de La Plata, la vivienda muestra los cinco puntos centrales de la nueva arquitectura del maestro suizo: la planta baja libre, elevada del suelo para permitir el movimiento del auto; la terraza jardín, de manera que la casa le devuelva a la ciudad el terreno que ocupa, los “pilotis”, sobre los cuales se apoya la casa; la ventana longitudinal que ocupa todo el ancho de la pared y la fachada libre de elementos estructurales. El emblemático color blanco presente en toda la vivienda es también una marca de autor. La casa actualmente funciona como un centro cultural que depende del Distrito 1 del Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires.

 

Buildings movie icons

Edificios de cine

 

Throughout the history of cinema, there are many cases where the big cities and its many architectural landmarks have managed to cross the screen to become the protagonists of the history, leaving aside his role as mere scenery where recreate emotions and experiences. Here we review some of architectural icons that are cultural symbols of a time.

A lo largo de la historia del cine, son numerosos los casos en que las grandes urbes y sus múltiples hitos arquitectónicos han conseguido traspasar la pantalla para convertirse en los verdaderos protagonistas de la historia, dejando a un lado su papel de simple escenografía donde recrear emociones y vivencias. A continuación, repasamos algunos de iconos arquitectónicos que son símbolos culturales de una época.

 

King Kong was here

King Kong estuvo aquí

In our traveling tour of the great architectural icons of cinema, it could not miss the Empire State Building in New York, undoubtedly one of the great landmarks of modernity. It was designed by architect William F. Lamb, commissioned by General Motors founder John J. Raskob, in an attempt to compete with the Chrysler Building (318 m), which was the tallest building in the world at that time.

En nuestro periplo viajero por los grandes iconos arquitectónicos del cine no podía faltar el Empire State Building de Nueva York, sin duda, uno de los grandes hitos de la modernidad. Fue proyectado por el arquitecto William F. Lamb, por encargo del fundador de General Motors John Jakob Raskob, en un intento por competir con el Edificio Chrysler (318 m), que en aquel momento era el inmueble más alto del mundo.

Imagen 12

Nice image of King Kong embracing the Empire State Building. Photo by I love NY

Located at the intersection of Fifth Avenue and 34th Street, the Empire State Building (381 m) was built in just 410 days. The then President of the United States Herbert Hoover was in charge of inaugurating the tallest skyscraper in New York on May 1, 1931, pressing a switch from the White House. When Hoover turned on the lights, she taught the world the most impressive architectural work that had been built to date. 41 million of dollars was the budget for the imposing building was built on the city of New York. 3,500 workers were needed to raise its 102 floors, using 10 million bricks, 60,000 tons of steel and 6,500 windows. The tower rose quickly, at a rate of four-storey building and a half a week.

 Situado en la intersección de la Quinta Avenida con la Calle 34, el Empire State (381 m) se levantó en tan solo 410 días. El entonces presidente de los Estados Unidos Herbert Hoover fue el encargado de inaugurar el rascacielos más alto de Nueva York, el 1 de mayo de 1931, apretando un interruptor desde la Casa Blanca. Cuando Hoover encendió las luces, enseñó al mundo la obra arquitectónica más impresionante que se había construido hasta la fecha. 41 millones de dólares fue el presupuesto para que el imponente edificio se alzase sobre la ciudad de Nueva York. 3.500 obreros fueron necesarios para levantar sus 102 pisos, utilizando para ello 10 millones de ladrillos, 60.000 toneladas de acero y 6.500 ventanas. La torre se alzó rápidamente, a una velocidad de construcción de cuatro plantas y media por semana.

Imagen 13

The Empire State Building from the Top of the Rock in New York. Photo by Fernando de la Cruz

The Empire State Building relationship with the film world began in 1933 when the directors Merian C. Cooper and Ernest B. Schoedsack decided to put the final scene of his legendary film King Kong in the imposing building. It is exciting to enter the building for its Art-Deco lobby of Fifth Avenue, to get into the history of the spectacular building and discover its legendary King Kong visitor perched to the antenna, trying to avoid the attack of the aircraft before being killed. Certainly, either forms a part of the cultural iconography of the twentieth century.

La relación del Empire State Building con el mundo del celuloide se inició en 1933, cuando los directores  Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack decidieron situar la escena final de su mítica película King Kong en el imponente edificio. Es emocionante acceder al edificio por su vestíbulo Art-Deco de la Quinta Avenida, para adentrarnos en la historia del espectacular edificio y descubrir a su mítico visitante King Kong encaramado a la antena, tratando de evitar el ataque de los aviones antes de ser abatido. Sin duda, uno y otro forman ya parte de la iconografía cultural del siglo XX.  

Imagen 14

Poster exhibition tribute of the film King Kong inside of the Empire State Building

What was once the tallest building in the world until 1972, date of the inauguration of the World Trade Center, it has hosted many other romantic emblematic stories of American cinema. The 1957 classic An Affair to Remember, by Leo McCarey, starring Cary Grant and Deborah Kerr, about a couple who falls in love during a European cruise and decided  to meet again on the roof of the building; his remake Sleepless in Seattle (1993) by Nora Ephron, with Tom Hanks and Meg Ryan; the popular teen drama Gossip Girl, etc.

El que fuera el edificio más alto del mundo hasta 1972, fecha de la inauguración del World Trade Center, ha acogido otras muchas emblemáticas historias del  cine romántico norteamericano. El clásico de 1957 An affair to Remember (Tú y yo), de Leo McCarey, protagonizado por Cary Grant y Deborah Kerr, sobre una pareja que se enamora en un crucero por Europa y deciden rencontrarse en el mirador del edificio; su remake Sleepless in Seattle (1993) de Nora Ephron, con Tom Hanks y Meg Ryan; la popular serie juvenil Gossip Girl, etc.

Imagen 15

The classic An Affair to Remember by Leo McCarey, starring Cary Grant and Deborah Kerr. Photo by Twentieth Century Fox Film Corp.

 

Talking about Madrid

Pongamos que hablo de Madrid

 

The Empire State Building is to New York as the Carrion Building  (Capitol) is to Madrid, an icon of modernity of the Thirties. Promoted by Enrique Carrión, Marquis of Nelin, it was located on a solar with two facades finished in a semicircle and two blind laterals, at the beginning of the third tranche of the Gran Via, then called Eduardo Dato Avenue.

El Empire State Building es a Nueva York como el Edificio Carrión (Capitol) es a Madrid, un icono de la modernidad de los años 30. Promovido por Enrique Carrión, marqués de Nelín, se ubicó sobre un solar con dos fachadas en esquina y dos laterales ciegos, al comienzo del tercer tramo de la Gran Vía, entonces llamada Avenida de Eduardo Dato.

This original building was designed by architects Luis Martínez-Feduchi Ruiz and Vicente Eced y Eced who built it between 1931 and 1933 as a multifunctional complex of sixteen floors. In fact, they projected inside a hotel, apartments, a nightclub, a restaurant, an American bar, cafes and even a soda factory, besides the Capitol Cinema with capacity for 1900 people, which eventually would give name.

Este original edificio se debe a los arquitectos Luis Martínez-Feduchi Ruiz y Vicente Eced y Eced, quienes lo construyeron entre 1931 y 1933 como un complejo multifuncional de dieciséis plantas. De hecho, en su interior proyectaron un hotel, apartamentos, una sala de fiestas, un restaurante, un bar americano, cafeterías, e incluso una fábrica de agua de Selz, además del conocido cine Capitol con capacidad para 1900 personas, que finalmente le daría nombre.

Imagen 16

The Capitol Building by Luis Ruiz and Vicente Feduchi Eced. Photo by Rodrigo del Pozo

The building is distinguished mainly because its construction introduced many technological innovations as the four Vierendeel type concrete beams, central cooling or use of fire retardant fabrics. The building was carried out by the Spanish construction company Macazaga, headed by the architect Luis Moya Blanco. The building  received the City of Madrid Award 1933 and the Medal of Second Class in the National Exhibition of Fine Arts in 1934.

El edificio se distinguió sobre todo porque su construcción introdujo multitud de innovaciones tecnológicas como las cuatro vigas de hormigón tipo Vierendeel, la refrigeración central o la utilización de telas ignífugas. La edificación corrió a cargo de la constructora española Macazaga, a cuyo frente se encontraba el arquitecto Luis Moya Blanco. Recibió el Premio Ayuntamiento de Madrid de 1933 y la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1934.

Imagen 17

Design of the Capitol Building. Photo by Rodrigo del Pozo

The building marked with its imprint, both architectural and functional, the profile of the Gran Via as the great avenue that introduced to the capital in the way of modernity. Spanish director Alex de la Iglesia paid tribute to the building by placing one of its most thrilling scenes in the legendary Schweppes brand neon sign, located in one of the upper floors, in his film The Day of the Beast.

El edificio marcó con su impronta, tanto arquitectónica como funcional, el perfil de la Gran Vía madrileña como la gran avenida que introducía a la capital en los caminos de la modernidad. El cineasta español Álex de la Iglesia hizo un homenaje al edificio al situar una de sus más trepidantes escenas de la película El día de la Bestia en el mítico anuncio luminoso de neón de la marca Schweppes, situado en una de sus plantas superiores.

 

Cinema as inspiration

El cine como inspiración

 

Not only the reality has been a source of inspiration for the film, but the architects have resorted to fantasy worlds recreated in the cinema to create new spaces that meet the needs of society. The film world is not confined to images devoid meaning, but also embodies ideals of progress and change shared by writers, artists and architects of the time.

No sólo la realidad ha servido de fuente de inspiración para el cine, sino que los arquitectos han recurrido a los mundos fantásticos recreados en el séptimo arte para crear nuevos espacios con los que satisfacer las necesidades de la sociedad. El mundo del celuloide no se reduce a imágenes carentes de significado, sino que encarnan también ideales de progreso y cambio compartidos por escritores, artistas y arquitectos de la época.

The Guggenheim Museum Bilbao, by Frank Gehry, can be considered as an example of building inspired by the fanciful designs of science fiction films, both for its innovative design and its futuristic structure. With 24,000 m2, of which 11,000 are destined to exhibition space, the building is an architectural landmark of the twentieth century for its bold architecture.

Imagen 18

The Guggenheim Museum Bilbao by Frank Gehry. Photo by Fernando de la Cruz

Its construction not only changed the way architects and the public think of the museums, but also revitalized the economy damaged of Bilbao with its astonishing success. In fact, the phenomenon of transformation of a city following the construction of a major architectural project is known now as the “Bilbao Effect”. Twenty years after its construction, the museum continues to challenge the alleged connections between art and architecture today.

El Museo Guggenheim de Bilbao, de Frank Gehry, puede ser considerado como un ejemplo de edificio inspirado en los diseños imaginarios de los filmes de ciencia ficción, tanto por su novedoso diseño como por su estructura futurista. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 11.000 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico del siglo XX por su audaz configuración. Su construcción no sólo cambió la forma en la que los  arquitectos y el público piensan en los museos, sino que también revitalizó la dañada economía de Bilbao con su asombroso éxito. De hecho, el fenómeno de la transformación de una ciudad a raíz de la construcción de un importante proyecto arquitectónico se conoce hoy como el “Efecto Bilbao”. Veinte años después de su edificación, el museo continúa desafiando las supuestas conexiones que existen entre el arte y la arquitectura de hoy. 

Located at the north end of downtown Bilbao, the building dialogues with La Salve Bridge, creating a river walk and a large public square to the south. Although the metallic look outside from above it looks like a flower, from the street level, the building looks more like a boat, evoking the industrial life of the port.

Situado en el extremo norte del centro de Bilbao, el edificio dialoga con el Puente de La Salve, creando un paseo fluvial y una amplia plaza pública hacia la zona sur. Aunque la forma metálica del exterior mirada desde arriba parece una flor, desde el nivel calle, el edificio se asemeja más a un barco, evocando la vida industrial del puerto.

Imagen 19

The Guggenheim Museum Bilbao from La Salve Bridge. Photo by Fernando de la Cruz

Built in titanium, limestone and glass, Gehry creates a spectacular sculptural structure. The apparently random outside curves are designed to capture light. Their fixing clips create a small deformation in the center of 0.38mm titanium tiles, creating an optical illusion of waves that can be seen with the light changes.

Construido en titanio, piedra caliza y vidrio, Gehry crea una estructura escultórica espectacular. Las curvas aparentemente aleatorias del exterior están diseñadas para captar la luz. Sus clips de fijación crean una pequeña deformación en el centro de los azulejos de 0.38mm de titanio, creando una ilusión óptica de ondulaciones que se aprecia con los cambios de luz.

Due to its mathematical complexity, the sinuous curves were designed using a design software  3-D called CATIA; allowing complex designs and calculations that would not have been possible a few years ago. Essentially, the software scans points on the edges, surfaces and intersections of hand-made Gehry’s models to create digital models that then can be manipulated in the same manner as 3-D animations.

Debido a su complejidad matemática, las sinuosas curvas fueron diseñadas utilizando un software de diseño en 3-D llamado CATIA; que permite complejos diseños y cálculos que no habrían sido posibles hace unos años. Esencialmente, el software digitaliza puntos en los bordes, superficies e intersecciones de las maquetas de Gehry hechos a mano, para crear modelos digitales que luego pueden ser manipulados de la misma forma que las animaciones 3-D.  

Imagen 20

Pierce Brosnan in a scene from the film The Worl is Not Enough, filmed in Bilbao

The Guggenheim Museum Bilbao has also been present in the cinema, particularly in the nineteenth film of the series James Bond, The World Is Not Enough (1999). Directed by Michael Apted and starring Pierce Brosnan, the film placed part of the action in Bilbao, where the Guggenheim shines as much as 007 trying to flee their enemies with the loot.

El Museo Guggenheim de Bilbao también ha estado presente en el cine, concretamente en la decimonovena película de la serie de James Bond, The World Is Not Enough (El mundo nunca es suficiente) de 1999. Dirigida por Michael Apted y protagonizada por Pierce Brosnan,  la película sitúa parte de la acción en Bilbao, donde el Guggenheim brilla tanto como el agente 007 tratando de huir de sus enemigos con el botín.

 

The city in the spotlight

La ciudad en el punto de mira

 

If there is a director who has risen to the cities in the category of protagonist through the image that is definitely Woody Allen. All his work can be interpreted as a true declaration of love to New York. Manhattan (1979) is a deep intellectual tribute to the city through the perspective of a neurotic, ranging from decadent intellectuals circuit of vanities.

Si hay un director que ha elevado a las ciudades a la categoría de protagonista a través de la imagen, ese es sin duda Woody Allen. Toda su obra puede interpretarse como una auténtica declaración de amor a Nueva York. Manhattan (1979) es un profundo homenaje intelectual a través del punto de vista de un neurótico, que oscila entre un circuito decadente de vanidades intelectuales.  

Imagen 21

Woody Allen´s films raised New York City to the category of protagonist. Photo by Fernando de la Cruz

In a second creative period, Allen made the leap to Europe, honoring other emblematic cities: Midnight in Paris (2011), where the city of light becomes an object of veneration more for its cultural past than its present monumental; To Rome With Love (2012), which humorously describes a Roma plagued by stereotypes; in our country, Vicky Cristina Barcelona (2008) in which he winks at the city of Gaudí, without forgetting Match Point (2005), the first of five that shot in Britain.

En una segunda etapa creativa, Allen dio el salto a Europa, homenajeando otras emblemáticas urbes: Medianoche en París (2011), donde la ciudad de la luz deviene en objeto de veneración más por su pasado cultural que por su presente monumental;  A Roma con amor (2012), donde en clave de humor describe una Roma plagada de estereotipos; en nuestro país, Vicky Cristina Barcelona, en la que hace un guiño a la ciudad de Gaudí, sin olvidar Match Point (2005), la primera de las cinco que rodó en Gran Bretaña.

 

Played by Jonathan Rhys Meyers (Chris), Scarlett Johansson (Nola) and Emily Mortimer (Chloe), Match Point tells the story of a love triangle within a wealthy family in the upper echelons of the capital. For this reason, Allen reveals the “elite” of the London Royal Opera House, the Tate Modern, the Saatchi Gallery (which at the time in which the film was shot, it was still next to the London Eye), the elegant bar “The Audley,” the Parliament View Apartments on the Thames and, of course, the iconic skyscraper 30 St Mary Axe, also known as the Gherkin, where the father of Chloe offers to Chris (the protagonist) a job that he cannot refuse in the City. This building, designed by Norman Foster, has private offices and is not open to the public.

Interpretada por Jonathan Rhys Meyers (Chris), Scarlet Johansson (Nola) y Emily Mortimer (Chloe), Match Point cuenta la historia de un triángulo amoroso en el seno de una familia adinerada de las altas esferas de la capital. Por este motivo, Allen  nos descubre el Londres más “selecto” de la Royal Opera House, la Tate Modern, la Saatchi Gallery (que en el momento en el que se rodó la película, estaba aún situada junto al London Eye), el elegante bar “The Audley”, los Parliament View Apartments junto al Támesis  y, por supuesto,  el  icónico rascacielos 30 St. Mary Axe, también conocido como Gherkin (Pepinillo),  donde el padre de Chloe ofrece a Chris (el protagonista) un trabajo que no puede rechazar en la City. Este edificio, diseñado por Norman Foster, contiene oficinas privadas y no está abierto al público.

Imagen 22

The iconic skyscraper of London 30 St Mary Axe, also known as the Gherkin

With a striking resemblance to the Agbar Tower in Barcelona, by Jean Nouvel, this smart skyscraper height of 180 meters is the second tallest building in the City after the Tower 42. The project, which joined the efforts of the prestigious architectural firm Norman Foster and engineering firm Arup, was built between 2001 and 2004. It is located on a site formerly occupied by a historic Baltic Exchange Building Company, that managed the maritime rents and selling boats, and it was practically destroyed in an IRA bombing in 1992. First it was thought possible restoration, but later they realized that the structure could not be recovered.

Con un notable parecido a la Torre Agbar de Barcelona, de Jean Nouvel, este rascacielos inteligente de 180 metros de altura es el segundo edificio más alto de la City tras la Tower 42. El proyecto, que sumó los esfuerzos del estudio de arquitectura del prestigioso Norman Foster y de la firma de ingenieros Arup, fue construido entre 2001 y 2004. Se encuentra en un solar anteriormente ocupado por un histórico edificio de la compañía Baltic Exchange, empresa que gestionaba los alquileres marítimos y la venta de barcos, y que fue prácticamente destruido en un atentado del IRA en 1992. Primero se pensó en una posible restauración, pero posteriormente se dieron cuenta de que la estructura no podía ser recuperada.

The building is rooted in a radical, technical, architectural, social and spatial approach. Generated by a radial plan, its walls with energy awareness solves walls and ceiling with a continuous triangulated skin, allowing an area without columns, spacious, light and good views. Norman Foster conceived the aerodynamic shape as a possibility to allow the wind flow around the building, its facade, rather than being diverted down at ground level.

El edifico tiene sus raíces en un enfoque radical, técnico, arquitectónico, social y espacial. Generado por un plan radial, su recinto con conciencia energética resuelve paredes y techo con una piel continua triangulada, permitiendo un espacio sin columnas, amplio, con luz y buenas vistas. Norman Foster concibió la forma aerodinámica como una posibilidad para permitir que el viento fluya alrededor del edificio, de sus fachadas, en lugar de ser desviado hacia abajo, a nivel de suelo.

Imagen 23

Designed by Norman Foster, this spectacular century tower was generated by a radial plan.

To build this beautiful work, with capacity for 4,000 people, 35 kilometers of steel and 24,000 square meters of glass were used. With a height of 180 meters, this spectacular century tower has a circular plant whose development grows in diameter upwards, and then fall again as it approached the top of the tip. Thanks to this form has been possible to increase the area available for the entry of natural light, and thereby improve the air circulation, there by taking advantage of natural ventilation in interior spaces and reducing energy consumption.

Para construir esta bella obra, con capacidad para 4.000 personas, se utilizaron 35 kilómetros de acero y 24.000 metros cuadrados de cristal. Con una altura de 180 metros, esta espectacular torre del siglo XXI tiene una planta circular cuyo diámetro crece en su desarrollo hacia lo alto, para después disminuir de nuevo al acercarse a la parte superior de la punta. Gracias a esta forma ha sido posible aumentar la superficie disponible para la entrada de la luz natural, y mejorar, por tanto, la circulación del aire, aprovechando de este modo la ventilación natural en los espacios interiores y reduciendo el consumo energético.

Apart from Match Point, the building is portrayed in the documentary Building the Gherkin, by Mirjam von Arx, filmed between 2001 and 2004, that was awarded at the International Festival of Films on Art in Montreal. There have also been filmed movies like A Good Year (2006), by Ridley Scott and a chapter of the TV series Skins.

 Además de Match Point, la construcción del edificio quedó retratada en el documental Building the Gherkin, de Mirjam von Arx,  que se rodó entre 2001 y 2004, y fue premiado en el Festival Internacional de Películas sobre Arte de Montreal.  También se han filmado otras películas como A Good Year (2006) de Ridley Scott y algún capítulo de la serie Skins.

 

The isolation of large cities

 El aislamiento de las grandes urbes

 

If there is a movie that can make us understand the degree of isolation and loneliness of the individual in the big modern cities that is undoubtedly Lost in Translation (2003), by Sofia Coppola. American director chose Tokyo as the paradigm of personal privacy of its protagonists. Bob Harris (Bill Murray) is a movie star who comes to Tokyo to shoot a commercial. The existential midlife crisis that is strikes it is comparable to empty post teenager suffering Charlotte (Scarlett Johansson), wife of a photographer who work forces leave her alone in the Japanese capital.

Si hay una película que puede hacernos comprender el grado de incomunicación y soledad del individuo en las grandes urbes modernas esa es, sin duda, Lost in translation (2003), de Sofia Coppola. La directora norteamericana eligió la ciudad de Tokio como paradigma del aislamiento personal de sus protagonistas. Bob Harris (Bill Murray) es una estrella de cine que llega a Tokio para rodar un spot publicitario. La crisis existencial de la mediana edad que lo azota es comparable al vacío postadolescente que sufre Charlotte (Scartett Johansson), esposa de un fotógrafo a quien el trabajo obliga a dejarla sola en la capital japonesa. 

Imagen 24

Scene from the film Lost in translation, by Sofia Coppola

The look of surprise that accompanies these two urban shipwrecked in that jungle of glass and neon lights that is Tokyo, is a filmmaker who has learned all the secrets of the difficult language of subtlety.

La mirada de extrañeza que acompaña a estos dos náufragos urbanos en esa jungla de cristal y luces de neón que es Tokio, es la de una cineasta que ha aprendido todos los secretos del difícil idioma de la sutileza. 

Sofia Coppola focuses the action at the Park Hyatt Tokyo Hotel, located on floors 39 and 52 of the Shinjuku Park Tower, designed by Kenzo Tange. It is the second tallest skyscraper in Shinjuku, one of the most important business districts of the city, and one of the icons of Japanese capital.

Sofia Coppola centra la acción en el hotel  Park Hyatt Tokyo, situado entre las plantas 39 y 52 de la Shinjuku Park Tower, obra de Kenzo Tange. Es el segundo rascacielos más alto de Shinjuku, uno de los distritos financieros más importantes de la ciudad, y uno de los iconos de la capital nipona.

Imagen 25

Sofia Coppola focused Lost in translation at the Park Hyatt Tokyo Hotel, located on the Shinjuku Park Tower, designed by Kenzo Tange. Photo by Fernando de la Cruz

The building consists of three blocks: the S Tower, which is 235 meters high and 52 floors, the C tower measuring 209 meters high with 47 floors and the N tower 182 m high and 41 floors. The lower floors are occupied by commercials, floors ranging from 9 to 37 are used as offices and the rest belong to the emblematic hotel.

El edificio se compone de tres bloques; la torre S, que tiene 235 m de altura y 52 pisos, la torre C que mide 209 m de alto con 47 pisos y la torre N de 182 m de altura y 41 pisos. Los pisos inferiores están ocupados por locales comerciales, los pisos que van del 9 al 37 se emplean como oficinas y el resto pertenecen al ya emblemático hotel.

Imagen 26

The Shinjuku Park Tower is the second tallest skyscraper in Shinjuku, one of the most important business districts of Tokyo. Photo by Fernando de la Cruz

Like other works of Tange (as the Tokyo Metropolitan Government Building, the Cathedral of St. Mary of the capital, the Memorial Peace Museum in Hiroshima or the Fuji Television Building in Odaiba) reflect his belief that architecture should have something that goes to the heart of people. Still, forms, spaces must respond to logic. Tange believed that the design of our time must combine technology and humanity, modernity and tradition. In his opinion, the tradition may be present in some way in creating a new project, although it is no longer visible in the finished work.

Al igual que otras obras de Tange (como el Edificio del Gobierno Metropolitano de Tokio, la Catedral de Santa María de la capital, el Museo Memorial de la Paz de Hiroshima o el Fuji Television building en Odaiba) reflejan su convicción de que la arquitectura debe tener algo que llega al corazón de las personas. Aun así, las formas, los espacios deben responder a una lógica. Tange creía que el diseño de nuestro tiempo debe combinar tecnología y  humanidad, modernidad y tradición. En su opinión, la tradición puede estar presente de alguna manera en la creación de un nuevo proyecto, si bien, ya no es visible en la obra terminada.

Imagen 27

Zojo Ji Temple, that is located in downtown Tokyo, where is possible to admire modernity and tradition. Photo by Fernando de la Cruz.

Modernity and tradition, an inseparable couple which defines cultural identity of the country of the rising sun, like architecture and cinema form the cultural reality of contemporary society.

Modernidad y tradición, un binomio indisoluble que define la identidad cultural del país del sol naciente, al igual que la arquitectura y el cine conforman la realidad cultural de la sociedad contemporánea.

 

Elena Trujillo Hervás

Supported-stamp_arquid

Advertisements
One Comment Post a comment
  1. Fernando de la Cruz Argibay #

    Me asombra esta faceta de Elena que no conocía. Al margen de su perfecta construcción literaria, requiere un trabajo de documentación impresionante. Enhorabuena Elena.

    January 25, 2016

Leave a Reply

Fill in your details below or click an icon to log in:

WordPress.com Logo

You are commenting using your WordPress.com account. Log Out /  Change )

Google photo

You are commenting using your Google account. Log Out /  Change )

Twitter picture

You are commenting using your Twitter account. Log Out /  Change )

Facebook photo

You are commenting using your Facebook account. Log Out /  Change )

Connecting to %s

%d bloggers like this: